SOLEILS NOMADES

Issue d’une grande famille d’artistes et baignant dès son enfance dans les traditions musicales gitanes, Paloma Pradal compte aujourd’hui parmi les plus grandes chanteuses de flamenco, de jazz, de musiques tziganes et de soul. Petite-fille du peintre madrilène Carlos Pradal, fille du chanteur Vicente Pradal, fille de la chanteuse Mona Arenas et sœur du pianiste Rafael Pradal, Paloma Pradal porte au plus profond d'elle-même toute la richesse et la diversité des cultures hispaniques et nomades.

À l’âge de quatre ans, Paloma Pradal commence à danser et à chanter, puis, dès son adolescence, elle intègre le groupe de flamenco de son père Vincente. À l’âge de seize ans, elle est invitée à se produire à la Comédie Française à Paris et peu de temps après, elle partira en tournée mondiale avec le groupe Herencia, aux côtés de son frère et de son père.

Son premier album, Rabia, est plébiscité par la presse internationale dès sa sortie. Dans le cadre de ce projet, elle propose une rencontre entre plusieurs traditions, allant du jazz à la salsa, en passant par le blues, le flamenco et les musiques africaines. Accompagnée par de jeunes musiciens virtuoses, Paloma Pradal invite les auditeurs à embarquer dans un voyage musical saisissant, entre ses propres compositions et de célèbres chansons qu’elle revisite entièrement. Sa reprise de Ne me quitte pas de Jacques Brel, chantée en espagnol, bouleverse par sa profondeur, sa simplicité et son ardeur. 

Au cours de ces dernières années, Paloma Pradal a continué à parcourir le monde en proposant à ses fans de nouvelles fusions musicales, allant des musiques folkloriques ibériques jusqu’au hip-hop, au RnB, au reggae et même au rock. Son nouvel album, En mi Barrio est un voyage fougueux entre cris et joie, rire et larmes, sublimé par cette liberté envoûtante dont elle seule connait le secret.

Grâce à son charisme enivrant, sa virtuosité épatante et ses capacités rythmiques explosives, Ismail Lumanovski est reconnu à travers le monde comme l’un des clarinettistes les plus fascinants de notre temps. Né à Bistol, en Macédoine, il est l’un des rares artistes à mener simultanément deux carrières parallèles, l’une en tant que musicien classique et l’autre en tant qu’improvisateur-interprète de musiques folkloriques.

Lauréat de nombreux de concours internationaux en Europe et aux États-Unis, Ismail Lumanovski s’est produit dans les plus importants festivals et salles de concert autour du monde, tels que le Carnegie Hall à New York, la Salle Pleyel à Paris, le Beijing Concert Hall à Pékin, la Luzerner Saal à Lucerne, le Severance Hall à Cleveland, le Berklee Performance Hall à Boston et le Emirates Palace à Dubai.

Considéré comme l’un des plus grands spécialistes de musiques balkaniques, tziganes et turques, Ismail Lumanovski est invité à se produire avec les plus grands artistes et groupes de world music, comme Al di Meola, Selloane Nkhela, Marcel Khalife, Husnu Senlendirici, ou encore le Berklee Middle Eastern Fusion Ensemble. Dans le domaine classique, Ismail Lumanovski s’est produit comme soliste avec des chefs d’orchestres prestigieux, tels que Pierre Boulez, ainsi qu’avec des orchestres et ensembles de grande renommée, tels que le Deutsche Kammerphilharmonie, le Lucerne Festival Orchestra ou encore le New Juilliard Ensemble.

Dévoilant un dialogue unique en son genre entre cultures orientales et occidentales, entre musiques écrites et improvisées, ainsi qu’entre passé et présent, les trois derniers albums d’Ismail Lumanovski, “Soundscapes”, “Dromomania”, and “Three of US”, ont tous été primés par de nombreux prix et distinctions à l’international.

Avec son groupe, le New York Gypsy All-Stars, Ismail Lumanovski donne de nombreuses tournées en Asie, en Amérique Latine et en Australie. Alliant jazz, musiques balkaniques, improvisations, rythmes tziganes et musique classique contemporaine, les performances de cet ensemble atypique ont récemment été décrites par la presse américaine comme « inoubliables » et « ahurissantes ».

Compositeur, arrangeur, violoniste et multi-instrumentiste éclectique, Jonathan Keren a reçu de nombreux prix internationaux pour ses œuvres en Europe, en Asie et aux États-Unis.

Ses pièces sont régulièrement jouées dans les plus importants festivals et salles de concert à travers le monde, tels que le Carnegie Hall et le Lincoln Center ade New York, le Tanglewood Music Festival de Boston, le Musée du Louvre à Paris, la Philharmonie de Berlin, l’Elbphilharmonie de Hambourg, l’Opéra de Tel Aviv, le Tivoli Hall de Copenhague, le Seoul Arts Center, et le Musashino Concert Hall à Tokyo.

Jonathan Keren a étudié la composition à la Juilliard School de New York avec deux grands compositeurs américains, Samuel Adler et Milton Babbitt. Il a ensuite été nommé Compositeur en Résidence de la Fountain Chamber Music Society de New York, pour un mandat de quatre ans. En 2004, il reçoit le ASCAP Award, l’un des plus prestigieux prix dans le monde de la composition.

En 2007, sa pièce pour piano seul Fantaisie, mais deux Fantastrophes, paraît chez le label Naïve et est ensuite interprétée dans de nombreuses salles de concert et festivals à travers le monde, par divers pianistes. En 2011, Jonathan Keren écrit le livret et compose la musique d’un nouveau spectacle musical singulier, basé sur la célèbre œuvre de Nicolaï Gogol, Le journal d’un fou.

En tant que violoniste, Jonathan Keren s’est produit avec de nombreux ensembles et orchestres à travers le monde, dans des répertoires extraordinairement variés, allant du baroque et du classique à la musique folklorique irlandaise, turque, tzigane, balkanique et klezmer, en passant par le jazz, le rock et le blues.

Récemment, il a participé́, en tant que violoniste, compositeur, arrangeur et improvisateur à l’album du Geneva Camerata, Sounds of Transformation, paru à l’international chez Sony Classical.

Samuel Rouesnel, ou par son nom de scène Samuelito, est reconnu comme l’un des guitaristes de flamenco les plus virtuoses et fascinants de la jeune génération. Né en 1993, il commence la guitare classique à l’âge de sept ans mais très vite, il se découvre une passion pour les musiques du monde et en particulier pour les musiques traditionnelles et populaires espagnoles.

Encore adolescent, Samuelito décide de mener une double formation, l’une en guitare classique et l’autre en guitare de flamenco. Très rapidement, il est repéré par les plus grands maîtres de guitare flamenco, des musiques du monde et du jazz, comme Paco de Lucía, Tomatito, Vicente Amigo, Ramón Sanchez, Roland Dyens, ou encore Ibrahim Maalouf. Ces rencontres vont mener Samuelito sur de nouvelles routes musicales et feront de lui un guitariste éclectique qui maitrise de nombreux styles et genres artistiques.

Son premier concert public, à l’âge de seize ans, est retransmis par la télévision et fera immédiatement sensation. Dès lors, il est invité à se produire dans le monde entier, avec des artistes et des groupes de renommée internationale.

À la fois interprète et compositeur, et solidement ancré dans la tradition « flamenca », Samuelito possède un langage musical original, personnel et hors des sentiers battus. Régulièrement invité à accompagner les plus grands chanteurs et danseurs de flamenco d’aujourd’hui, il continue à mener une carrière exceptionnelle également dans les domaines classique, jazz et rock.  

Malgré son jeune âge, Samuelito a déjà sorti plusieurs albums, tous loués et récompensés par la presse. Ses nombreux talents l’amènent également à participer à la composition et à l’enregistrement de musiques de films et à donner des master classes à l’international, en tant que de guitariste classique et flamenco.  

Virtuose des percussions, compositeur, arrangeur et improvisateur de génie, Itamar Doari est acclamé à l’international pour ses performances à couper le souffle, dans les domaines des musiques du monde, de la musique contemporaine, du jazz, et des musiques expérimentales. Aujourd’hui, il se produit régulièrement dans les plus grands festivals de musique aux États-Unis, en Asie, en Europe et en Amérique Latine.

Né dans la région de la Galilée, dans le nord d’Israël, Itamar Doari a grandi au sein de nombreuses traditions, entre musiques égyptiennes, turques, espagnoles, perses, palestiniennes, israéliennes et bédouines. Tombé amoureux des instruments de percussions dès sa prime jeunesse, Itamar Doari débute ses études musicales parallèlement à l’exploration des diverses origines culturelles de sa familles. Ainsi, petit à petit, il développe un langage artistique particulier, alliant virtuosité, mélange de rites et coutumes des quatre coins du monde, exploration des musiques baroques et classiques, ainsi que des improvisations jazz, blues et rock.

Dès l’âge de seize ans, Itamar Doari commence à voyager autour du monde, dans un but de découvrir les traditions et les techniques des instruments de percussion les plus rares. À dix-sept ans, il participe déjà à de nombreuses tournées internationales, avec des artistes de flamenco, de jazz, de musique cubaine, éthiopienne, sénégalaise, perse, indienne, turque et yéménite.

Ces dernières années, Itamar Doari a collaboré avec de célèbres artistes internationaux, tels que Buika, Avishai Cohen, Amal Murcus, Avi Avital, ainsi que Johnny Greenwood, le guitariste du groupe Radiohead. Il a enregistré pour les plus grands labels à l’international, tels que Sony Music, Universal, EMI, Warner, Deutsche Grammophon, Blue Note et Decca.

Mis à part ses performances, il produit également des albums pour d’autres artistes internationaux et compose la musique de plusieurs films.

Itamar Doari est le co-fondateur de Yemen Blues, un groupe de musiciens aventureux qui mêle musiques arabes, africaines, contemporaines et jazz. Leur dernier album, qui a été encensé par la presse, a été suivi d’une tournée internationale dans plus de quinze pays.

Reconnu comme l’un des pianistes et chefs d’orchestre les plus audacieux de sa génération, David Greilsammer est passionné par les projets novateurs, la création contemporaine et les passerelles entre les arts et les cultures.

Paru chez Naïve, son dernier album en solo, nommé Labyrinth, a reçu plus de dix récompenses internationales et a été encensé par la presse qui l’a décrit comme « radical », « courageux » et « épatant ». Ses autres albums récents, parus chez Sony Classical, ont été primés par de nombreuses distinctions, notamment celles du New York Times, du Boston Globe et du Sunday Times.

Acclamé également pour ses interprétations des œuvres de Mozart, David Greilsammer a créé l'événement en interprétant, en une journée marathonienne, l’intégrale des sonates pour piano, et plus récemment en dirigeant depuis son piano les vingt-sept concertos de Mozart, dans le cadre de neuf concerts consécutifs.

Directeur musical et artistique du Geneva Camerata, David Greilsammer s’est produit comme chef et soliste avec le BBC Philharmonic Orchestra, le San Francisco Symphony, le Philharmonique de Radio France, le Tokyo Metropolitan Symphony, l’Orchestra Verdi di Milano, l’Orchestre Symphonique de Hambourg et l’Orquesta Sinfónica Nacional de México.

Ses récitals en solo, présentant toujours des programmes éclectiques, surprenants et aventureux, ont été donnés au Concertgebouw d’Amsterdam, au Lincoln Center de New York, au Kennedy Center de Washington, au Wigmore Hall de Londres, à la Elbphilharmonie de Hambourg, au Théâtre du Châtelet à Paris, au Oriental Art Center de Shanghai et au Théâtre de la Cité Interdite à Pékin.

Parallèlement à son travail avec le Geneva Camerata, David Greilsammer est également le directeur musical et chef d’orchestre attitré de l’Orchestre Philharmonique de Medellín, en Colombie.